El silencio digital: cómo el motor de videojuegos Source genera atmósferas incómodas

Autora: Jamila Alexandra Wahabi González

Todos alguna vez hemos experimentado un sentimiento de inquietud al estar en el colegio por la tarde. Ver las clases o pasillos sin vida y apagados nos hacía sentir a veces incómodos. En lugares que reconocemos perfectamente y que suelen estar concurridos, al estar vacíos, nuestro cerebro entra en pánico y se vuelve inquieto. Esta sensación humana es algo que ha podido recrear a la perfección un programa destinado al desarrollo de videojuegos creado hace más de dos décadas. El motor de videojuegos Source fue la revolución que llevó a cabo la empresa de videojuegos Valve (creadora de Steam y sagas como Portal, Half-Life, Dota o Left 4 Dead) para imponer un nuevo estándar en la industria de los videojuegos.

La relevancia de este tema hoy en día no es casualidad. Desde los tiempos tempranos de internet, el interés por los espacios liminales¹ siempre se ha mantenido presente gracias a los ARG (Juegos de Realidad Alternativa), que son narrativas interactivas, principalmente de terror, que usan la vida real como soporte. Estas narrativas han inspirado a millones de artistas y creadores. Desde los famosos Backrooms hasta la Fundación SCP, se evidencia que esta comunidad ha ido convirtiendo motores gráficos y mapas vacíos en una herramienta para expresar una historia. Lo esencial de todo esto se encuentra en el terror y la incomodidad generados por los espacios, en estos casos, aprovechados para crear narrativas psicológicamente opresivas. Por todo esto, en este ensayo voy a argumentar por qué Source, pese a sus limitaciones, tiene la capacidad de proyectar en nosotros una profunda sensación de soledad y vacío.

Para explicar cómo se nos transmiten estos sentimientos, se debe comprender primero qué es un motor gráfico. Este es el programa encargado de procesar y renderizar la información para poder mostrarla mediante píxeles en nuestras pantallas en tiempo real. Todos los motores gráficos comparten la misma característica clave: el uso de matemáticas para calcular los vértices, la iluminación, las sombras y la geometría del entorno. Debemos saber también qué es un motor de videojuegos. Un motor de videojuegos es un entorno de desarrollo que agrupa sistemas esenciales como el gráfico o el de sonido, entre otros. Este nos dota de las herramientas necesarias para poder llevar a cabo todos los aspectos que tienen los videojuegos y estos varían entre código abierto y código propietario. En los abiertos, cualquier particular puede modificar el código fuente de este motor a su gusto para implementar todas las funcionalidades que se requieran, mientras que el de código propietario no está abierto al público y sus funcionalidades se limitan a las intencionadas por los creadores de este. Source engine es un motor propietario que se puede usar públicamente, pero solamente para crear mapas o modificaciones de los juegos desarrollados en el mismo motor de Valve. Esto hace que todos los juegos desarrollados con este motor tengan una identidad muy parecida, ya que las limitaciones técnicas del momento seguían siendo notorias.

El motor Source nació en una época en la que la tecnología tendía a imitar la realidad con herramientas que nos parecerían muy rudimentarias hoy en día. Actualmente, podemos generar terrenos infinitos y llenos de vida, pero en aquel entonces toda la construcción del entorno, excepto los objetos, se basaba en la geometría de bloques. El escenario debía estar creado a base de figuras geométricas perfectas, como si estuviéramos montando bloques de Lego. Esta perfección, dentro de una época que intentaba calcar la vida real (la cual es imperfecta), es una de las claves por las que los escenarios de los juegos creados tienen esa inquietante estética.

Uno de los juegos, Half-Life 2, tiene en cuenta esto; inspirándose en el brutalismo y en la Europa del Este post-soviética, logró crear un mundo con una arquitectura hostil que hace sentir oprimido al jugador. Según el propio director artístico, Viktor Antonov, Ciudad 17 (el primer escenario del videojuego), se basa en el libro 1984 de George Orwell. Teniendo la obra presente, el equipo de desarrollo creó una atmósfera en la que el jugador se siente constantemente vigilado; por esto, en el primer escenario jugable, un dron captura una imagen del personaje y le sigue en su travesía por el mundo. A medida que avanza el juego, pese a no tener drones encima, el sentimiento de que alguien o algo está observando no cesa. Esta constante sensación de vigilancia se ve aumentada debido a otra ausencia: el diseño de sonido.

Uno de los elementos de los videojuegos como conjunto que crean una experiencia más inmersiva es lo que escuchamos, y la falta de sonido es algo que nos saca completamente de la zona de confort en estos lugares. En internet, es común volver terroríficos lugares que no lo parecen insertando música desalentadora que termina por transmitirnos la sensación buscada. Al ser entornos desoladores y realistas, el sonido del propio juego refuerza la atmósfera de horror.

A esto se lo conoce como paisaje sonoro, un concepto que define el conjunto de pistas de sonido o música que se utilizan de manera conjunta para caracterizar un entorno, percibidas por los seres humanos y que configuran la identidad acústica de un lugar o momento. El motor cuenta con un sistema de audio llamado 'env_soundscape', diseñado para poder tener varias pistas superpuestas. Lo que choca es la naturaleza de estas pistas. En un entorno real, podemos escuchar sonidos en segundo plano como pájaros, gente hablando o simplemente un ambiente que nos indique que el lugar está vivo. Source se caracteriza porque elimina ese segundo plano, dejando paisajes donde todo lo que escuchamos es el viento y nuestros propios pasos, haciendo que nuestro cerebro perciba estos entornos como lugares sin vida y hostiles.

Respecto a la construcción de los entornos, nos centraremos en cómo es posible que unas simples figuras geométricas ordenadas de una manera determinada puedan hacernos sentir nerviosos. Todo gira alrededor de la kenopsia (Koenig, 2021), término creado para referirse a la sensación de melancolía e inquietud que sentimos al ver desierto un lugar que habitualmente está lleno de vida. Nuestro cerebro intenta buscar un patrón de vida en estos lugares y, al no encontrarlo, se pone en alerta. Aunque esta estética puede buscarse a propósito, Source es diferente: no necesita de una intención por parte de ningún desarrollador para hacer que sus mundos se sientan desoladores. El vacío se encuentra en el propio código.

Un buen ejemplo de esto se encuentra en uno de los mapas originales del videojuego Garry's Mod, desarrollado por Garry Newman. El título nació como una modificación de Half-Life 2, dejando libertad total al jugador en mapas carentes de metas u objetivos. Sin embargo, la razón por la que lo hace especialmente inquietante es el violento contraste entre el propósito de estos mapas y sus atmósferas. Estos escenarios fueron concebidos para estar llenos de gente jugando en línea e interactuando entre sí, pero cuando entramos en un servidor en solitario, experimentamos la terrible sensación de kenopsia. Uno de los pilares principales que sostienen esta idea es la falta de movimiento en el mundo. Se puede notar sobre todo por la iluminación, ya que el sol nunca se mueve.

Esto es debido a una limitación técnica del motor (Valve Corporation, 2004), debido a la cual los desarrolladores tuvieron que pintar en las propias texturas de las paredes y los suelos las respectivas sombras, creando la ilusión de luz y oscuridad. No fue manualmente, sino que usaban un software que calculaba cómo rebotaban los distintos puntos de luz y creaban texturas que se multiplicaban sobre las del mundo para generar las sombras. Esto, aunque crea volumen, contribuye grandemente a la falsedad del escenario. Ya que no existe luz dinámica, no hay manera de que esta se refleje de diferentes formas según el material, provocando que el mundo se sienta plano, como una fotografía. Sin embargo, las texturas usadas intentaban ser lo más realistas posibles. El choque entre unas texturas hiperrealistas y una iluminación totalmente inmóvil genera un efecto extraño: el escenario parece un lugar de verdad, pero completamente congelado en el tiempo. Esta es una de las razones por las que nuestro cerebro considera estos lugares como desoladores.

A pesar de que sea intrínseco el hecho de que Source tenga ese parecido a los espacios liminales, los desarrolladores explotan a veces las posibilidades que se les ofrecen para amplificar ese sentimiento. En los distintos juegos abusan de las habitaciones vacías o de lugares con ventanas, construidos de tal manera que parecen lugares extraídos de nuestros recuerdos (déjà rêvé). De esta forma, el propio entorno es hostil y siempre parece que hay alguien observándonos desde algún punto, lo cual es una de las claves que hacen a los entornos liminales lo que son.

Antes de concluir este ensayo, veo conveniente refutar algunas objeciones que puedan surgir al lector. Para empezar, se podría argumentar que las sensaciones que estos mapas nos transmiten no son ‘limitaciones técnicas’ sino una intención real de los desarrolladores, respaldada por el uso del estilo brutalista y la inspiración en la Europa post-soviética de Half-Life 2. Bien, aunque existe una inspiración artística clara en bastantes títulos creados con este motor de videojuegos, este impone estas sensaciones desconcertantes de forma involuntaria, hasta en escenarios que no deberían serlo. Entonces, a pesar de que hubiera un pensamiento artístico detrás, no es más que un abuso de lo ya establecido por el motor. Aunque los desarrolladores no quisieran crear entornos asfixiantes y agresivos, las herramientas del motor de videojuegos (como la geometría de bloques perfectos) no se lo permitirían, haciendo así que la decisión de intentar crear juegos que transmitan esa hostilidad sea casi obligatoria.

Por otra parte, es posible argumentar que la 'kenopsia' que se siente al jugar en un escenario vacío no es causa del motor, sino de cómo procesamos y entendemos nuestro entorno. La incomodidad que generan los mundos del juego Garry’s Mod se produciría solo por la búsqueda de vida de nuestro cerebro y la expectativa de encontrar algún jugador más, ignorando que este vacío que deja un nivel sin jugadores tiene una raíz técnica. Sin embargo, como se ha mencionado antes, los entornos de Source están congelados en el tiempo debido a las limitaciones del motor, teniendo que recurrir a trucos que hacen que el mundo se sienta plano a cambio de conseguir lo que sería un fotorrealismo sucio. Es decir, se sacrifica la vividez por el realismo. Cuando el servidor está lleno de jugadores, nos solemos centrar tanto en la interacción que hay entre ellos que nos olvidamos de que detrás de esa capa social hay un mapa desolador sin ningún tipo de vida.

En definitiva, se puede demostrar que los entornos creados en el motor gráfico Source, pese a que no hayan sido concebidos para incomodarnos, logran transmitirnos sensaciones de lugares liminales, vacíos y terroríficos. Sus atmósferas desoladoras no son únicamente el fruto de una decisión artística, sino la consecuencia directa de sus propias limitaciones estructurales. Además, debido a elementos como la geometría rígida de bloques, la ausencia de un paisaje sonoro dinámico y una iluminación estática que congela el entorno, el software impone una profunda sensación de kenopsia, que es la inquietud que experimenta el jugador al recorrer mapas vacíos creados para la interacción, como los de Garry's Mod.

Finalmente, podemos concluir este ensayo dando cuenta de que el terror más profundo no siempre nace de los enemigos que uno se pueda encontrar durante la partida, sino del inquietante silencio de un mundo digital que terminó condenado a la soledad.

Hodgson, D. (2004). Half-Life 2: Raising the Bar. Prima Games.

Koenig, J. (2021). The Dictionary of Obscure Sorrows. Simon & Schuster.

Schafer, R. M. (2013). El paisaje sonoro y la afinación del mundo. Intermedio Editores.

Valve Corporation. (2004). Half-Life 2 Developer Commentary [Audio in-game]. Valve.

¹ De limen, umbral en latín. Se refiere a un lugar o estado de transición. Es la frontera entre un lugar u otro que no permite establecerse en ninguno. Hace referencia a lugares cotidianos descontextualizados (ej. una carretera vacía), de ahí la melancolía que genera sensaciones desconcertantes de familiaridad, al sentir que ya se ha estado ahí. Además, parecen suspendidos en el tiempo por su iluminación y su estado desolado.

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